バロックは「ゆがんだ真珠」!? バッハだけじゃない、バロック音楽の真髄とは？

ニャルミ　にゃんぞう先生こんにちはー！

にゃんぞう先生　やぁニャルミさん、ひさしぶりだねぇ。音楽のお話がしたくなったのかい？

ニャルミ　うん、あのね、ニャルミ、ONTOMOとか読んでるし、ピアノ習ってるし、けっこうクラシック好きなんだけどね、最近ちょっと混乱してる。

にゃんぞう先生　どうしたんじゃ？

ニャルミ　いまね、ピアノでお稽古してる曲がバッハっていう人のやつなんだけど、インベンションとかっていったかな……。でね、ピアノの先生が、この曲は「バロック時代の曲です」って言うの。

にゃんぞう先生　そうじゃの。ヨハン・ゼバスチャン・バッハ（1685〜1750）はバロック時代の大作曲家じゃ。

ニャルミ　でもさ、「バロックってどういう意味ですか？」ってきいたら、先生が「ゆがんだ真珠よ」って。ゆがんでるの!? 真珠が!? まさか！ って。だって、バッハってけっこうかっこいいじゃん。いい曲じゃん。それを「ゆがんだ真珠」だなんて、ひどくない？

にゃんぞう先生　にゃるほど。たしかに、バッハの曲を聴いて、へんな形になった真珠を想像するネコはおらんじゃろうなぁ。

ニャルミ　でっしょう!? バッハのどこが「バロック」なのよ！

にゃんぞう先生　ふふふ。ニャルミさん、いい機会だから、「バロック音楽」ってどういう音楽なのか、考えてみよう。

よく、バッハこそがバロック音楽の代名詞、みたいに言われてる。もちろんバッハは偉大な音楽家だけど、でも本当は、バロック時代でも終わりのほうに現れた人なんじゃ。ドイツでね。でも実は、バロック音楽はイタリアから大きく花開いたのじゃ。

ニャルミ　えーーー！ そうなの？！

まず、大雑把に音楽の歴史を考えるとき、こんなふうに時代様式の4つのハコで捉えることができます。バロック時代は、中世・ルネサンス期に続く時代です。

たしかに「バロック」とは、「いびつな真珠」と訳される言葉で、もともとは美術用語です。「いびつ」というからには、洗練されたスタイリッシュな感じではありません。ちょっと大げさでダイナミックな感じ。

もともと美術用語だけに、絵画で見るとわかりやすい。まず、イタリア・ルネサンス期を代表する画家アンドレア・マンテーニャ（1431～1506）の《宮廷》という絵を見てみよう。

人物たちはみんな一様にシュッとしていて、無表情にも見える。冷静な均整美を感じます。みんなツーン……としていて、だれも騒いだりしていない感じ。

 いっぽうこちらは、バロック時代を代表するフランドルの画家、ルーベンス（1577～1640）の《キリスト昇架》です。

「おりゃ〜」「ぐおおお……」という男たちの声が聞こえ、汗のにおいも漂ってきそう。

とても生々しくて、立体的で、人々の動きが感じ取れる躍動感があります。キリストの苦しそうな表情とか、人間の必死な形相もしっかり描かれています。そして、明暗のコントラストがはっきりしている。

この、ちょっと、ゴテゴテっとした動きのある感じ、これがまさに「バロック」。宗教改革を経て、国王が絶大な権力を振るう絶対王政時代に興った、とても大胆な芸術様式なのです。美術のみならず、建築や彫刻や文学や音楽にも、そのエネルギーは広がっていきました。

さて、現代のわたしたちの耳からすると、バロック時代の音楽は気品があるように聴こえるかもしれません。でも、当時の人たちからすれば、それ以前のルネサンス期の音楽に比べると、すごくメリハリの効いた、ハデめな音楽だったのです。

ここでルネサンス期の音楽を聴いてみましょう。有名なギヨーム・デュファイ（1397〜1474）、ジョスカン・デ・プレ（1455頃〜1521）、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ（1525/26〜1594）いうルネサンス期の音楽家たちによるミサ曲です。（ミサ曲については「にゃんぞう先生のクラシック入門（2）」を読んでね！）

とってもスーッと響いて綺麗。でも、「ちょっと何言ってるかわかんないです」ってなるくらい、何人かの歌うメロディがたくさん重なっていたり、どの言葉も長く引き伸ばされています。

これがルネサンスの音楽。各声部がそれぞれ冷静に動いていて、全体は均整の取れた美しさ。誰かひとりだけがすご〜く情熱的に歌い上げる、なんてことはありません。

こういうルネサンス時代の多声音楽（ポリフォニー）に対して、1600年頃からのバロック時代には、主要なメロディや言葉がもっとはっきりと歌われる音楽が登場し、それがオペラへと発展していきました。

さらには、コントラストのついた華やかな響きの器楽曲が誕生したのです。

では、実際に聴いてみましょう！ まずは、オペラの出発点と言われる作品で、イタリアの作曲家クラウディオ・モンテヴェルディ（1567〜1643）が作った《オルフェオ》です（1607年初演）。

死んだ妻エウリディーチェを取り戻そうと、黄泉の国に行ってしまう男オルフェオの物語。歌手の歌う言葉が、ルネサンス期の音楽よりも明らかに聴き取りやすい。メリハリの効いた音楽表現も華やかです。イタリア語がわからなくても、聴いていると情景が浮かんできそうなくらい、生き生きと美しい音楽が続いていきますね。

歌手の歌うメロディには、楽器による伴奏も一緒に響いています。この伴奏は通奏低音と呼ばれ、これがまたバロック音楽の大きな特徴となっていきます。おもにチェンバロや弦楽器が担当し、低い音域から音楽全体を支えます。

モンテヴェルディには、ほかにも《ウリッセの帰郷》や《ポッペアの戴冠》というオペラがあるので、気になったら要チェック！

最初のオペラ《オルフェオ》には、実は現代のオーケストラの起源ともいえる器楽の合奏が活躍しました。使われていたのは、チェンバロやヴィオラ・ダ・ガンバ、リコーダー、小型ヴァイオリン、キタローネ（リュートの仲間）といった当時の楽器で、どの楽器をどの場面で使うかをしっかり指定したのも、モンテヴェルディが行なった新しい試みでした（つまりそれ以前の音楽は、どんな楽器をどこに使うかは自由で、決められていなかったのです）。

劇の場面を効果的に表現する器楽アンサンブルは、そこだけがやがて独立し、さらに多くの楽器が加わるようになって、現代のオーケストラへと発展してゆくのです。

では次に、バロック音楽の代表的な器楽作品を聴きましょう。

まずは、ローマで活躍したアルカンジェロ・コレッリ（1653〜1713）。彼は、合奏協奏曲とよばれる器楽曲のジャンルに名作を残しました。

「協奏曲」というと、現代ではピアノ協奏曲やヴァイオリン協奏曲などのように、独奏者とオーケストラの編成をイメージするかもしれませんが、合奏協奏曲は、独奏する楽器は複数あり（「コンチェルティーノ」と呼ばれる独奏楽器群）、それが「リピエーノ」と呼ばれるオーケストラと掛け合いながら、立体的な音響を作り上げていきます。

コレッリ：合奏協奏曲集 作品6 第1番より

この曲集の第8番は《クリスマス協奏曲》と呼ばれる有名曲です。気になったらこちらもチェック！

続いては、アントニオ・ヴィヴァルディ（1678～1741）。

ヴェネツィアで活躍し、ヴァイオリンの名手でもあった彼は、有名な《四季》をはじめとする多くの独奏協奏曲を作りました。そう、現在もイメージされる協奏曲のスタイルを確立したのは、ヴィヴァルディと言っても過言ではありませぬ。

ヴィヴァルディ：ヴァイオリン協奏曲 ロ短調RV389 より第1、2楽章

学校の教科書にも載っていた《四季》も、気になったらチェック！

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にゃんぞう先生　どうだいニャルミさん、「バロック」といっても、もちろんバッハだけではないし、その前のルネサンスの時代の音楽と比較すると、なぜ「バロック」と言われるようになったか、わかったかにゃ？

ニャルミ　そうね！ その前の時代の音楽より、生き生きしてて、ハデな感じ、わかった気がした。コレルリとかヴィヴァルディもかっこいいね。むしろ「バロック」っていうか、ロックな感じすらする！

にゃんぞう先生　お、うまいこと言うのぉ。

ところで、ニャルミさんがいまピアノのレッスンでお稽古しているバッハは、さっきも言ったとおり、バロック時代の後半にドイツで活躍した音楽家だ。

バッハは、プロテスタントの教会に雇われていた音楽家で、毎日のように礼拝に集まる人々のために、たくさんの教会音楽を作ったんだ。なかでも、「教会カンタータ」と呼ばれる、歌と器楽で演奏される音楽は、イタリアのオペラの影響を受けて発展したんだよ。バッハは一時期、毎週のようにカンタータを作曲していたんだ。

バッハのカンタータのなかでももっとも有名な第147番「心と口と行いと生活で」

ニャルミさんが弾いている「2声のインヴェンション」という曲集は、バッハが自分の息子の教育用に作った曲なんだよ。当時はピアノじゃなくて、チェンバロで演奏されていたけどね。

インヴェンションには「着想」という意味があって、音楽を作ったり演奏する上での着想、いいアイディアが持てるように、バッハが手ほどきしてくれているんだね。

2声のインヴェンション

ニャルミ　な〜るほど、バッハ先生が作ってくれた教科書なんだね！ バロックのかっこいい感じで弾けるようになりたいな！