成田達輝と神田佳子が誘うサントリーホール サマーフェスティバル～現代音楽のススメ

このフェスティバルに通いはじめて何年になるのだろう。

1989年に「20世紀の名曲選」というシリーズが中核に据えられてからは、海外に住んでいた2008年以外はかならず顔を出しているはずだ（この年に演奏されたグリゼイ《音響空間》が聴けなかったのが痛恨事！）。つまりもう30年以上……。自分であらためて数えてみて愕然としてしまう。

毎年、東京のどまんなかで開催されるこのフェスティバルが、わたしの人生にとって欠かせない位置を占めていることを痛感させられたのは、20世紀の音楽史をたどる本を書いたときだ。気づいてみれば、扱う作曲家や作品の多くは、ここではじめて接したものばかり。もしもこのフェスティバルがなかったら、書物の内容自体が相当に変わっていたにちがいない。

もはやこのフェスがひとつの季節感になってしまっているがゆえに、そして四季のなかでは圧倒的に夏好きゆえに、毎年、フェスティバルがはじまると、新しい音楽に出会えるうれしさの一方で、ふと寂しい気持ちになってしまう――ああ、もう夏が終わってしまうのだなと。

さて、では演奏家にとっては、このフェスティバルはどんな場なのだろう。すでに長くこのフェスに出演している打楽器奏者の神田佳子さんと、近年、現代音楽分野でも活躍が目覚ましいヴァイオリニストの成田達輝さんにいろいろと伺ってみた。

――神田さんにとって、サントリーホールというのはどういう場所ですか？

神田　大ホールは客席のつくりがいいですよね。打楽器はどう見えるかというのがすごく大切なので、音もそうですけど、いろいろな見え方があることが魅力的。

――ヴィンヤード形式なので、横からも、後ろからも見られるわけですよね。演奏しにくいなんていうことはないですか。

神田　全然ないですね。打楽器の場合、たくさんの楽器を使うことが多いわけですが、譜面台とか他の楽器に隠れてしまって、前からだけ見ているとなにを演奏しているか分からないこともあるんですよ。その意味ではむしろ、ここは横とか後ろから見てほしい！と思ったり（笑）。あ、このタイミングでこの楽器を持つんだとか、ここでこんな準備をしてるんだ、なんていうのも楽しんでいただけたらと。

――横や後ろの席の楽しみ、確かにありますよね。成田さんにとってサントリーホールとは？

成田　音大の学生さんなんかも同じじゃないかと想像するのですが、日本の音楽の殿堂というイメージです。古典だろうが現代音楽だろうが、とりあえずサントリーホールに行ったら最高級のものが聴ける、間違いないっていう信頼感。ヴィンヤード形式ということにかんしていえば、ホールの設計を手がけた豊田泰久さんの著書を読んだら、最初は演奏家に不評だったとあって、ちょっと驚いたんです。実際にはとてもいいホールですよ。

――神田さんはずいぶん前からサマーフェスティバルに出演されてますよね？

神田　学生時代から観にきてましたが、出演したのは芥川作曲賞の本選で川島素晴さんの《デュアル・パーソナリティ》を演奏したのが最初です（1997年）。でも、とびきり強烈だったのが、2014年のシュトックハウゼンの《暦年》。わあ、これをやるのかと。雅楽と洋楽のヴァージョンがあるんですが、私は雅楽のほうで鉦鼓をやらせてもらったんです。しかも山口恭範さん、菅原淳さんという大御所と一緒に。これはフェスティバルならではの出会いだと思いましたね。

――成田さんはいつ頃からでしたっけ？

成田　やはり芥川作曲賞の本選で、酒井健治さんの協奏曲を弾いた時が最初です（2013年）。その後、受賞後の委嘱作である《G線上で》という協奏曲も担当させてもらったのですが（2015年）、聴き手としてもいろいろ記憶に残っているんですよ。

ルノー・カプソンが弾いたミカエル・ジャレルのヴァイオリン協奏曲《４つの印象》とか（2019年）、なんといってもB.A.ツィンマーマンの《レクイエム》（2015年）。毎年、ふつうに一聴衆としてチェックはしているんです。自分の中でも大イヴェントなので。

――「現代曲」って、お二人にとってはどういう存在ですか？

神田　打楽器をやる以上、現代曲は避けられないんですけど、私にとっては、何かコラボレーションが行なわれるとか、解釈がその人たちとの出会いによって変わるとか、そういう「現場」が楽しいんです。その面白さを一回知ってしまうと、ただ楽譜だけで演奏するのがつらくなってくる（笑）。作曲家とのやりとりによって音楽自体が変わってゆく、一種の生もの感覚ですね。

成田　ぼくは常に、最初にふたをあけてどういうものを感じるかというのを重要視しています。たとえばファーニホウの譜面を最初に見て、なんでこの人はこんなに細かいことをやるのかと、その人間を知りたくてのめり込んでしまったり……。

ひとりの人間として現代思想とか哲学も参照しながら、多方面から楽曲にアプローチしてみたいと思っています。現代音楽を演奏することには、作曲家と自分が感じたものを伝える責任が伴うものなので。

――サマーフェスティバルをさらに「ひらいて」ゆくにはどうしたらよいでしょう。

神田　ふだんは他のジャンルを聴いている人とか、音楽には興味がないけど、美術とか映画に興味があるという人に、もっと体験してみてほしい。クラシックの知識がある人はメロディーがどうだ、和声がどうだとなってしまうんだけど、もっとシンプルな面白さを共有したい。「え、こんな人が？」というような人に届いたら成功で、私も演奏していて楽しいですね。

成田　たとえばフェスティバルの期間中、カラヤン広場にテーマ作曲家のいろんな側面を展示するブースを設けて、お客さんに見てもらうなんてどうでしょう。美術館の入り口に年譜があるみたいな感じで。この作曲家はこんな人で、こういう実験をやっているんだということを知って会場にいくと、より楽しめるかもしれない。

――さて、今年のサマーフェスティバルでは、神田さんはクセナキスの《ペルセファッサ》、成田さんはイザベル・ムンドリーの個展で出演されます。

神田　まずはなにより共演メンバーが、クラングフォルムとイサオ・ナカムラさんというのがうれしい。イサオさんは、私がいちばん刺激を受けた打楽器奏者の一人で、あのテンションに負けないぞと。この曲はまさにエネルギーがないと伝わらないので、一緒に熱い思いを共有できるワクワク感でいっぱいですね。

《ペルセファッサ》は客席を囲んで６人の奏者が音を出し合う曲なので、大ホールの空間を立体的に感じられるはずです。あっちこっちから音が飛び交うという体験は滅多にできないと思いますよ。

成田　ムンドリーは、本当は２年前にやるはずだったのがコロナ禍で延期になったので、もう一度、最初から譜面を読み直して準備しています。楽譜からだけではイメージしづらいところもまだあるので、早く合わせたいなと。そのなかで、ムンドリーという作曲家をきちんと自分でつかんで、よい形で日本に紹介する役割を果たしたいですね。

――ありがとうございました。

さて、では今年のサマーフェスティバルの聴きどころについて、わたしなりのお薦めを勝手に記してみたい。

テーマ作曲家は、ドイツのイザベル・ムンドリー。一見すると正統的な「現代音楽」のようでありながら、奇妙な艶がある作風で知られる。じっくり聴いてみたい作曲家だったので、個人的にも本当にうれしい。とりわけメンケマイヤーが独奏を務める新作ヴィオラ協奏曲は必聴だろう（8月28日）。

一方、ウィーンの現代音楽演奏集団クラングフォルムのプログラムの中では、「クラングフォルムのFamily Tree（系図）」と名づけられた第１夜に注目したい（8月23日）。もしも2000年代の現代音楽がどういうものか、手っとりばやく知りたいという人は、この一夜でだいたいわかるはず。シャリーノ、サンダース、ノイヴィルト、ハース、ポッペ、ラング、フラーといった面々の５～10分の小曲が並ぶというポップなつくりも面白く、むしろ初心者に自信をもってお薦めしたい。

逆に「お薦めできない」のが、「クセナキス100％」と題された演奏会（8月26日）。もっとも暴力的な音響で知られる作曲家クセナキスの大作２曲が披露されるという、考えるだに恐ろしい一夜なのだ。こんな過激なプログラムも、めったにない。生半可な気持ちで出かけたら大変なことになるので、「美しい」現代音楽を聴きたい人は行かないように。でも、怖くてもよいという人は……絶対にこの機会を逃してはいけない。

クセナキス《ペルセファッサ》6人の打楽器奏者のための（1969）

そして芥川也寸志サントリー作曲賞。今年も活きのいい新人3人が候補に並んでいる。なによりこの賞は、公開で審査が行なわれる点が特徴。実は、今年の司会はわたしが務めるので、大いに盛りあげることをここに約束しておこう。

かくして今年もまた夏がやってくる。